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jueves, 10 de octubre de 2013

Takashi Ito

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El cine es capaz de presentar un mundo irreal como una realidad vívida creando un espacio extrañamente peculiar en los medios de comunicación. 
Mi intención principal es cambiar las escenas ordinarias de la vida diaria y llevar al público (yo mismo) a un vórtice de ilusión sobrenatural mediante el ejercicio de la magia de las películas ".

Takashi Ito, en Image Forum, Oct.1984


Spacy (1981)



Thunder (1982)

lunes, 15 de abril de 2013

Kenneth Knowlton

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Autoretrato hecho en computadora utilizando maze bits, © Kenneth Knowlton 2002.

En mis primeros 80 años, la población humana del mundo se ha triplicado! El ritmo y la dirección de los cambios que he presenciado, sobre todo últimamente, son asombrosos y deplorables. La arrogancia y el ilimitado alcance en el siglo 20 han dado lugar a la negación y la ira en el 21, la continuación de esa aberración de la agitación humana que llamamos progreso.
Extracto de Brief Manifesto. Ken Knowlton Budd Lake NJ 2012

Kenneth C. Knowlton (nacido en 1931 en Springville NY, USA) es un artista mosaiquista y retratista pionero en la creación de gráficos por ordenador, quien trabajó en los Laboratorios Bell.

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En 1963, como miembro del departamento técnico de investigación en computación, Knowlton desarrolló BEFLIX (Flicks Bell) el primer lenguaje especializado en animación por computadora, el cual utilizó para hacer películas experimentales en colaboración con artistas como Stan Van der Beek, usando una computadora IBM 7094 y una grabadora de microfilm Stromberg-Carlson 4020.

 

En 1966, Knowlton y León Harmon ya experimentaban con fotomosaicos, creando impresiones de gran tamaño procedentes de colecciones de pequeños símbolos o imágenes (ejemplos tempranos de arte ASCII) Realizando estudios en la percepción crearon una imagen de un desnudo reclinado (la bailarina Deborah Hay), mediante el escaneo de una fotografía con una cámara y transformando los voltages analógicos a los cuales se asignaron números binarios tipográficos basados ​​en densidades de tonos medios. El mismo fue impreso en el New York Times el 11 de octubre de 1967, y fue excibido en una de las primeras exposiciones de arte hecho por ordenadores.

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Hoy, retirado de la agitación científico/técnica, Knowlton está tratando de pasar el último trimestre de su vida sin hacer ningún tipo de mal, escribiendo ensayos y memorias, y utilizando sus propios métodos asistidos por computadora para la planificación de sus obras de arte, la mayoría de los cuales son retratos de mosaico.

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Jacques Cousteau. Vieques I. Seashells, etc., © Kenneth Knowlton 1987. Collection Exporatorium

viernes, 8 de febrero de 2013

Señor Televisor

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Decenas de millones de personas han visto estas películas. Nadie sabe quién las hizo.

Acurrucados en nuestros sofás en las primeras horas de la mañana o en alguna de las tantas repeticiones, el cineasta, pintor, ilustrador, desarrollador de softwares y (como si fuera poco) escultor de arena, Al Jarnow ha tocado nuestras vidas y cambiado nuestra forma de ver el mundo sin que nosotros nunca lo supiéramos.

A partir de sus sorprendentes animaciones en los famosos programas de televisión Plaza Sesamo, 3-2-1 Contact y PBS Science, Al Jarnow fue capturando pequeños detalles de la vida científica, para luego, una vez triturados y cocinados con su receta única, ser adaptados a imágenes, logrando hacerlos mucho mas accesibles al consumo popular. Gracias a la mezcla de objetos simples que se encuentran en la vida diaria con técnicas como: time-lapse, stop motion y cel animation, Jarnow deconstruyó el mundo para toda una generación.

Desde el tercer piso de su casa en Long Island, su mente vagó más allá de los confines de la programación educativa. Profundizando en la escena cinéfila avant garde de Nueva York junto a Harry Smith, Jonas Mekas y Stan Brakhage, Jarnow creó una serie de maravillosas películas que permanecen en las colecciones estables del MOMA y el Pompideau Center.

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Así mismo, durante su período como ilustrador, Jarnow era el encargado de hacer el arte de la portada de la revista de Alfred Hitchcock y de títulos de Agatha Christie.

Afortunadamente, con rigurosas técnicas de restauración, mas algunas correcciones de color y remasterización total del sonido, el sello "Numero Group" recopiló varios de sus mejores cortos, junto a un imperdible documental de 30 minutos mostrando al genio en acción y en pleno proceso creativo, todo en el necesario y coqueto (atenti a el packaging ) DVD Celestial Navigations: Short Films of Al Jarnow, el cual, si se avivan, todavía pueden conseguir acá.

A continuación les dejo en exxxclusiva (lo subi personalmente) uno de mis cortos favoritos incluido en el DVD.
Enjoy the ride!


 

martes, 6 de marzo de 2012

Dandy Rock Look

































Antony Price y Jerry Hall en 'Fashion Aid', 1985.
Ph by Richard Young



Modisto favorito del Rock, diseñador sin paralelo de ropa moderna de etiqueta, leyenda venerada de la moda, titiritero de tendencias, creador de imágenes, responsable, entre otras cosas, que Bryan Ferry tenga onda (al menos en sus comienzos) y que el GLAMOUR haga por primera vez un solo de guitarra.

Para poder tener una idea mínima de la importancia de quien estamos hablando, es necesario aclarar, antes que nada, el contexto histórico en el que el "Doctor" (el significado del apodo lo explicaré mas adelante) comenzó a trabajar. Era una época, más precisamente fines de los 60's, en la que los sponsors no existían en la moda. El concepto de diseñador superestrella todavía estaba muy lejos.
El resto vino después.





































Antony Price es un diseñador británico famoso, entre otras cosas, por sus conexiones intrínsecas con el mundo de la música. Estudió en la Bradford School of Art y luego se graduó con distinción en 1968 en el Royal College of Art, inmediatamente fue fichado por la marca masculina de culto Stirling Cooper, donde sus primeros clientes, fueron nada mas ni nada menos que los Rolling Stones (época en la que Jagger usaba sus pantalones con botones para la polémica gira ‘Gimme Shelter Tour’).

La visión "Priceana" de la mujer es la de una femme fatale sofisticada, depredadora y artificial; parte arpía, parte maniquí, esto se refleja claramente en la estética de las 8 portadas creadas para Roxy Music, la forma en que vestía (o en muchos casos desvestía) a las "chicas Roxy", funcionaría eventualmente como marca registrada para la banda.


Photobucket
Roxy Music - Country Life. 1974
Art Cover by: Antony Price



A comienzos de 1970 inventó la famosa remera, icono de esa década, conocida como Cup Sleeve (blanca con mangas coloreadas) La cual fue comercializada en principio por la firma de etiqueta "Plaza" a un elevado precio de £6 (difícil calcular cuanto seria en moneda actual). Tras el tremendo éxito de ventas inicial, fué rápidamente copiada y abaratada por numerosos fabricantes (¿origen de "la salada"?).

A esa altura Price no solo era el director creativo de Stirling Cooper y Plaza, también aportaba sus diseños para la exclusiva boutique "Che Guevara", a la cual diseñó íntegramente al mejor estilo Titanic.


















Fachada de la exclusiva boutique Che Guevara diseñada por Antony Price, utilizada para campaña publicitaria de Opel.
Foto escaneada de Harpers and Queen, Junio 1974.



Poco tiempo después, en 1972 hizo el estilismo del clásico álbum de Lou Reed "Transformer", en el infame dorso del disco podíamos ver a Gayla Mitchell junto a un joven modelo ostentando un bulto ridículo en la bragueta (finalmente se supo que era un p-e-p-i-n-o!) mientras portaba el famoso modelo de pantalones 'Arse' by Antony.

Una década mas tarde creó el look estilizado tan característico de Duran Duran (reinventando el uso del traje de manera que ya no era solo para ir a la oficina)





















Simon Le Bon y su famoso traje "banana" diseñado por Price para el video del smash hit Rio.


Diseñadores de generaciones muy posteriores como McQueen, Mouret y Galliano lo reivindican.

Conocido como "El Doctor" por su capacidad de escuchar al cuerpo de la mujer, utilizando la ropa como una cirugía (40 años de medición y estudio de los cuerpos de las mujeres hablan por si solos). No solamente mujeres delgadas. Mujeres reales. Pechos reales. Problemas reales. Mujeres que no tienen tetas y quieren aparentar tenerlas o mujeres que quieren achicárselas.

La ropa de Price no solo refleja sus grandes habilidades técnicas, sino también su interés en la construcción. Teatralmente glamorosos, dramáticos y provocativos, sus diseños encuentran sus raíces en la época dorada de Hollywood.


















Antony Price y Bryan Ferry


Definido por el comentador cultural inglés Peter York como "genio díscolo", Antony Price hoy trabaja desde su casa en el campo a las afueras de Londres, diseñando para una clientela de elite, que va desde Isabella Blow a Daphne Guinness o sus viejas amigas Jerry Hall y Sarah Mower.

jueves, 19 de enero de 2012

GIF.ME.BERLIN



















El pasado 14 de Diciembre iHeartBerlin y su compañera Smart Urban Stage crearon "GIF. me. berlin ", una exposición fotográfica de GIFs animados.
La muestra fue solo por un dia en HBC kino
y ahora se puede ver online en la galeria virtual de iHeartBerlin.



























by Raphaela Anouk, 2011


El GIF, creado por CompuServe en 1987, fue el primer archivo en formato digital para imágenes a color. Es un formato sin pérdida de calidad para imágenes de hasta 256 colores, limitadas por una paleta restringida a este numero de colores.




















by Hara Katsiki, 2011


De la mano de blogs y tumblrs el GIF se hizo popular como medio artístico en Internet en los últimos años (Check Flyers Galaga 2007-10)


















by iHeartBerlin, 2011


El espectáculo cuenta con los trabajos colectivos de animación de 11 talentosos fotógrafos y artistas con sede en Berlín: Rafaela Anouk, Crystal Mafia, Arne Grugel, Katja Hentschel, Hara Katsiki, Floran Kolmer, Clemens Poloczek, Oliver Rath, Voin De Voin, Carolin Weinkopf, iHeartBerlin y Malte Jäger.
Los resultados son tan diversos e impresionantes como los propios artistas.

















by Clemens Poloczek, 2011


Bonus

miércoles, 26 de enero de 2011

Richard Bernstein


John McEnroe by Richard Bernstein
Interview Magazine Cover.1982


El fallecido artista pop Richard Bernstein (1939-2002), fue llamado Bambi cuando era un niño. Como un hombre llegaría a ser un artista con complejo de Peter Pan.

En sus comienzos, antes de ser un artista reconocido, tras pasar por la escuelas de arte del MOMA, Pratt y en MFA de la Universidad de Columbia, Richard Bernstein se encontraba así mismo en estado de ruina económica (con proyección a ruina permanente).
En ese entonces Richard vivía en un barrio pobre de New York descripto como el barrio que nadie viviría de forma voluntaria. El dinero y el tiempo eran su problema como artista. Sin ellos no podía hacer su propio trabajo. Eran un problema que no resolvería por mucho tiempo, aunque a diferencia de muchos artistas nunca renunció a su vocación y nunca se convirtió en un pintor de fin de semana.
-Una de las tantas anécdotas que giran en torno a esos días cuenta que Richard, cansado de no tener plata, decide robar algunas "cositas" de la entonces famosa tienda "Bloomies", para posteriormente entregarlas a su amiga y artista Toby Rabiner , quien luego las volvería a llevar a la tienda para que le "devuelvan el dinero", sabiendo obviamente que Bloomingdale’s tenía una estricta política de devolución-


Yoko Ono by Richard Bernstein
Interview Magazine Cover.1985


En 1965, Richard logra su primera exposición individual de "Estética Realista" (una filosofía de la estética fundada por el poeta y crítico estadounidense Eli Siegel en 1941), en "Terrain Gallery" de Nueva York donde tiene el primer encuentro con Andy Warhol. En aquel entonces no pasó nada. Al igual que muchos artistas de antes y después, la carrera de Richard estaba detenida antes de que comenzara.

Más adelante, en Fire Island (lugar histórico de veraneo gay), Richard conoce a John Streep, un rico distribuidor de diamantes y pinturas, que lo mantendría durante los próximos 12 años. Fue Streep quien paga el alquiler del apartamento tipo estudio de Richard en el Hotel Chelsea, residencia preferentemente para artistas y gente bohemia como Edie Sedgwick y otras superestrellas de Warhol.


Grace Jones Cover Artwork by Richard Bernstein

Poco tiempo después, a comienzos de los años 70, Richard se mezcla con el grupo de selectas amistades de Andy y la "pomada arty" de clubes como Studio 54.

En 1972 Richard comienza a hacer portadas para la revista fundada por John Wilcock y Andy Warhol "Interview", en la cual continua trabajando ininterrumpidamente durante 15 años (hasta el fallecimiento de Andy) convirtiéndose en su principal fuente de ingresos.
En total diseña 187 portadas para la mítica revista.




También realiza portadas para la revista Time y para los álbumes de la cantante Grace Jones, los franceses Casino Music (check post 2009) diseños de sellos para las Naciones Unidas, y un retrato de Robert F. Kennedy de la Biblioteca Kennedy.

Las portadas de Richard tienen sus raíces en la ilustración de moda de los años sesenta y en el Renacimiento, aunque naturalmente incorporaría con el tiempo sus propias ideas. Utilizando fotografías muy retocadas con pintura pastel y lápiz, monumentalizaba a sus retratados, con una calidad distinta en tres dimensiones a causa del uso de los recortes que él llamaba "Stencils". Además muchos de los retratos están pintados con brocha de aire y de tiza.


Eddie Murphy by Richard Bernstein.
Interview Magazine Cover.1987


Las tapas de "Interview" fueron diseñadas para que la gente piense que las había hecho Andy Warhol, porque la firma de Andy estaba en la cubierta "Richard nunca firmó una cubierta y Andy nunca hizo una él mismo". De esa manera Richard engaña incluso al mismísimo Truman Capote quien hasta el momento se rehusaba a escribir en la revista si la tapa no la hacia el propio Andy.

Por sus retratos pasaron celebridades como: Michael Jackson, Joan Collins, Calvin Klein, Mick Jagger, Diana Ross, Stevie Wonder, John McEnroe, Madonna, Chris Atkins, Susan Sarandon, Jean Cocteau, Eddie Murphy, Faye Dunaway, Yoko Ono y ¡Miguel Bose! entre muchísimos otros, dándoles continuamente un aspecto elegante, sexy, atractivo y joven por siempre.


Mick Jagger by Richard Bernstein
Interview Magazine Cover.1985


Sin embargo Andy nunca estaba satisfecho. Él quería una belleza etérea. Bob Colacello, uno de los escritores de la revista, relata algunos comentarios de Andy por esos tiempos: "¿Richard no se puede retocar un poco más?" o "La nariz se ve demasiado grande, dile a Richard que agarre la tijera... ahora si se trata de una gran cubierta; ni siquiera se parece a ella!" (Cualquier parecido al concepto de photoshop en la actualidad puede ser pura coincidencia...)

Como fuere, en esos tiempos, si eras alguien o estabas a punto de ser alguien tenías que ser interpretado por Richard.
Nadie mejor que Richard para captar la superficialidad vacía de las celebridades. Sus tapas, como la vida misma de las personas se encontraban para, y sólo para el momento. Las bolsas de cadáveres no llegarían hasta más tarde.
Hasta entonces Richard era el amigo de todo el mundo.


Miguel Bosé by Richard Bernstein
Interview Magazine Cover.1983

viernes, 8 de octubre de 2010

Haus Rucker Co



Haus-Rucker-Co es fundado en Viena en 1967 por los arquitectos y artistas Laurids Ortner, Günter Zamp Kelp y Klaus Pinter.
En 1970, abrieron sendos estudios en Dusseldorf y en Nueva York. Manfred Ortner se une al grupo en 1971. Los estudios se hicieron independientes a partir de 1972: Haus-Rucker-Inc en Nueva York y Haus-Rucker-Co en Dusseldorf.

Las obras de Haus-Rucker-Co oscilan entre el arte y la arquitectura, y aspiran a ser auténticas escuelas de asombro, un medio y no una finalidad, para estimular el proceso de investigación y de experiencia de uno mismo. La realización de construcciones neumáticas ligeras, de entornos no físicos, se desarrolló a finales de los años sesenta. Haus-Rucker-Co propone una arquitectura provisional, anticipadora, que proyecta las transformaciones futuras del entorno, del territorio. Así, las ciudades utópicas son encerradas en burbujas (Protected village, 1970), las megalópolis integran extensiones orgánicas y neumáticas (Leisuretime-Explosion, 1967). Sus proyectos más famosos, Pneumacosm, Mind-Expander (Expansor de mente), revelan sus intereses: el diseño de mundos visionarios, la experimentación de unidades de alta tecnología. Entre sus numerosas acciones e instalaciones temporales pueden destacarse Ballon für Zwei Balón para dos (Viena, 1967), Gelbes Herz Corazón de oro (1968), Biliardo Gigante para el Museo del Siglo XX en Viena (1970), el envolvimiento del Museo Haus Lange en Krefeld (1971), Oasis nº 7 (Documenta V, Kassel, 1972), el plano inclinado sobre el Naschmarkt (Viena, 1976), la instalación Nike (en la Hauptplatz de Linz, 1978)...

Poco tiempo despues, se disuelve la Haus-Rucker-Inc. Klaus Pinter comienza entonces su actividad como artista y Caroll Michels como escritor. En 1987, Laurids Ortner y Manfred Ortner en Viena y Günter Zamp Kelp en Dusseldorf, crean agencias independientes. La disolución de Haus-Rucker-Co se anuncia en 1992 en Dusseldorf.



1968 Mind Expander II [Haus Rucker-Co]
Segunda versión de su conocido Mind Expander, transformadores de la realidad a través de cascos tecnológicos. La arquitectura como distorsión de la realidad (visión + percepción auditiva). La arquitectura se desmarca de su condición puramente formal e inamovible.



Haus Rucker Co dulcifican la idea de futuro de tecnología que al final se rebela contra el hombre creador sin tener que prescindir de ella. En su instalación Vanille Future, presentan la tecnología bajo formas suavizadas, edulcoradas, atractivas para el usuario, dejando de lado el carácter maquinista y frío con el que se presentaban muchas de las opciones de futuro en esta época.

Bibliografía:
The Austrian Phenomenon: Architecture Avantgarde Austria 1956-73 [2010]

sábado, 17 de abril de 2010

Monte Cazazza



Ha sido descripto de muchas maneras: "monstruo brillante", "artista gánster", "necrófilo en acción". Una cosa si es unánime sobre Monte Cazazza, sus apariciones en vivo realmente irritan a la gente.
La mala reputación lo iba a acompañar desde sus comienzos, en la Escuela de Artes y Oficios en Oakland, su primera escultura, la cual consistía en una cascada de cemento que literalmente bloqueaba la entrada de la escuela, produjo su inmediata desvinculación del instituto.
Pasando del hospital a la cárcel, entra en la escena Avant Garde de San Francisco haciendo collages pornográficos con fotos (fondo de foto).
En 1971, invitado a un fin de semana de conferencias sobre arte en el bosque, llegó con un guardaespaldas armado y adornó la comida con arsénico. En el desayuno se le caían ladrillos pintados con la palabra "Papá" en los pies de las personas que se reunían para comer, y en la cena quemó el cuerpo de un gato parcialmente descompuesto, su guardaespaldas bloqueó la salida y varios invitados se enfermaron debido al hedor insoportable.
En 1977 Cazazza viaja a Inglaterra, acuña la frase "Industrial Music for Industrial People” , la cual serviría posteriormente para encapsular el estilo que hoy conocemos como "Música Industrial" (caracterizado originalmente por la edición de cintas, vocales esporádicas, fuertes percusiones y loops distorsionados) graba sus primeras canciones para el sello del colectivo de artistas y amigos Throbbing Gristle llamado no casualmente Industrial Records (el mismo sello editaría en 1981 a William S. Burroughs).
El resultado, 10 canciones ejecutadas con una motosierra, las entrañas de un piano que había sacado a martillazos, arcos de violín y otros "instrumentos musicales". Con títulos como P.S. (Plastic Surgery), Busted Kneecaps, F.F.A. (Fuckers Fist Of America), Hate y To Mom On Mother's Day.
A esa altura Cazazza ya había construido una reputación en el underground como un intérprete particularmente volátil con una estética potencialmente peligrosa y antisocial.
Cine, música y artes plásticas son algunas de las maneras que tenemos para entender a este adelantado para algunos y retrasado para otros.
En 1992 el sello The Grey Area tuvo la inquietante idea de editar un disco recopilatorio de toda su carrera llamado oportunamente "The Worst of Monte Cazazza" (Lo peor de Monte Cazazza)
Actualmente Monte rara vez sale de su casa, excepto el día de Halloween cuando deambula perdido por la calle con una máscara de plástico barato, una bolsa verde militar llena de pedazos de hígados mezclado con corazones (como Hermann Nitsch) y la cabeza de un cuerpo de maniquí (utilizada por los estudiantes de medicina para enseñar respiración boca a boca)

Monte Cazazza - Psychiatric Review


Monte Cazazza - Sex is no Emergency


Monte Cazazza - Kick That Habit Man


Nota: la voz del primer track pertenece al Ph.D en Psicología de Cazazzaa, la cual fue extraída de un análisis clínico realizado en 1991.

jueves, 11 de febrero de 2010

Esther Mahlangu: Culture Clash !


BMW By Esther Mahlangu (1991)

Hacia mucho tiempo en Sudáfrica, mas precisamente el 11 de Noviembre de 1935 (cuando la idea de realizar un mundial de futbol era inconcebible) nacía la artista Esther Mahlangu.Una mujer admirable que contra viento y marea, pudo viajar y exponer en el extranjero en 1989 (Les Magiciens de la Terre), en Francia, en un momento en que la agitación política del país y las sanciones en el extranjero hacían de la participación internacional más que un sueño para todos los artistas sudáfricanos.
El toque artístico de Mahlangu surgió cuando, en la pubertad, se sometió a la práctica Ndebele tradicional en el cual las mujeres jóvenes se rodeaban por la sociedad algunos meses, para aprender el oficio tradicional de abalorios . Estas primeras lecciones servirían más tarde como preparación para su carrera artística.

La técnica tradicional Ndebele, principalmente en la pintura mural, implicaba en principio una casa hecha completamente de estiércol de vaca, antes de diseñar las paredes con dibujos hechos con arcilla de colores. Cuando fue creciendo en la década de 1940, el uso de pinturas modernas fue introduciéndose junto a las formas geométricas que llegarian a definir posteriormente el arte Ndebele.Fueron estas influencias que servirían de inspiración para sus trabajos posteriores.


Pared Abstracta (2003)
Acrilico sobre tela

Comprometida con la economía de la industria del arte, tanto para desarrollar y reforzar sus raíces. Esther comenzó a incorporar las mencionadas técnicas sobre tela y otros materiales para atraer a un público más amplio. En este proceso se abrió un nuevo camino, popularizando su trabajo y, a su vez, fue impugnada por la lucha contra las influencias artísticas.

En su obra, Mahlangu representa lo ordinario, objetos cotidianos en abstracto, dibujo a mano alzado sin medición previa o bocetos, y el uso de plumas y ramitas como paquete de pinceles, a la manera antigua.

Además de su propio país, Mahlangu ha expuesto en Australia, América, Japón y en muchos países europeos. Algunos de sus murales más famosos se han exhibido en la Exposición de nuevas identidades en el Museo Bocum en Alemania, en la tienda de música de la Virgin Atlantic en Times Square, el Museo Nacional de las Mujeres en las Artes en Washington DC y en el Teatro Cívico en Johannesburgo.

Ha puesto sus adaptaciones de los distintivos diseños geométricos de colores muy Ndebele en todo, desde coches a aviones, hasta zapatos! Un ejemplo es en 1991 cuando fue invitada a pintar un prototipo del nuevo modelo BMW 525i (Foto Arriba) Coche de Esther, undécimo de la Colección de Arte de coches.
Su obra se incluiría en una línea de prestigio artístico internacional de la talla de artistas como: Frank Stella , Roy Lichtenstein, Andy Warhol y David Hockney.


Melissa by Esther Mahlangu (2009)

A los 70, Mahlangu todavía experimenta una gran alegría cuando pinta y sigue presentando su trabajo en muestras colectivas y personales en todo el mundo. Mahlangu está involucrada en el desarrollo sostenible de su comunidad y capacita a mujeres jóvenes en este arte de sus antepasados.

sábado, 9 de enero de 2010

Radio Cidade: Disco Years



Primero de Mayo de 1977, "Radio Cidade" salió al aire. Hasta entonces, las pocas estaciones de FM que habían aparecido en los años 70 en Río de Janeiro, se limitaban exclusivamente a interpretar música funcional para ascensores y consultorios médicos. Hasta ese momento las radios "Tamoio" y "Mundial",ambas AM, con todas sus deficiencias sonoras eran las únicas fuentes para los que querían oír buena música en la radio del coche o en casa.
La FM, que ya entonces era una realidad en otros países, fue vista por los operadores de radiodifusión, como algo que no era económicamente viable. Afortunadamente todos estaban equivocados.
Coordinada por Charles Townsend, que acababa de regresar de Miami (donde había tomado un curso en la radio y se había entusiasmado con el nivel y el desarrollo de las FMS de allí) Eladio Sandoval, Romilson Luiz Fernando Mansur, Jaguar e Iván Romero, como locutores titulares, junto a uno de los DJ mas innovadores de la epoca "BIG BOY", "Radio Cidade" entró al aire para cambiar la historia de la radio en Brasil.
El impacto fue devastador en las estaciones de radio FM de música acompañamiento, en parte porque no se justificaba que los registros de calidad estéreo, sigan siendo tocados en mono.
El perfil musical de la radio era preferentemente de música Disco: Chic, KC & The Sunshine Band, The Jacksons, La Bionda, Charo y Boney M, se mezclaban en la programación con artistas locales como "As Frenéticas" (grupo formado mayormente por actrices y bailarinas de la época comandado por un joven periodísta llamado "Nelson Motta")
Además de la música estéreo de muy buena calidad con un equipo de locutores y personas altamente creativas, "Radio Cidade" da a luz una comunicación y selección de música completamente revolucionaria, a diferencia de lo que se hacia en la radio hasta ese momento.

Como este verano Brasil esta caro, propongo entonces hacer un omellete de fantasía y contentarnos con mojar los pies en algo de linda música que se podía escuchar en aquellos primeros tiempos de Radio Cidade.

Cassiano - Onda


Uniao Black - Africa Hot Band


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Viñeta Radio Cidade 1977


martes, 3 de noviembre de 2009

Bailar y Dejar Bailar



Mientras afuera un relámpago hace sonar la alarma de un auto, adentro, el almanaque nos avisa que faltan tan solo 2 meses para que se vaya el año en que nada ocurrió...
Enumerar la serie de motivos seria largo y aburrido, solo voy a detenerme en uno de los temas que me arrastran más de cerca, la clausura de boliches.
Mientras la recientemente conformada Cámara Argentina de Pubs, Bares y Afines de Entretenimiento Nocturno (CAPBAEN) espera a que se reconozca la actividad “Pub” o “Bar Nocturno” en el código de habilitaciones y permisos, evitando de esa manera la clausura salvaje de los mismos que viene padeciendo Buenos Aires los últimos 5 años (aunque el año pasado fue donde mas se sintió) atrás y ridícula quedó la idea de “nueva Praga”, que pregonaban algunos medios extranjeros refiriéndose a la capital argentina años atrás, poco a poco la cantidad de propuestas existentes a lo largo de la semana se fueron diluyendo, como un eco de resaca, dejando afuera la posibilidad del necesario recambio.
Son muy pocos los beneficiados en esto (culturalmente hablando), y si muchos beneficiados (estratégicamente hablando).Detrás del mensaje demagógico de seguridad parecería esconderse la intención de blanquear un monopolio que venia agazapado hace tiempo, la noche.
Bailar y dejar bailar

+INFO

viernes, 16 de octubre de 2009

Kapelusz No Tenia Razon



Si en el 2012 explota todo, porque no irnos, sin antes revelar algunos de los misterios mas grandes de la humanidad.Las pirámides del mundo.

Nassim Haramein(1962) es un científico multidisciplinario, historiador, filósofo y líder del proyecto Resonance, nacido en Ginebra,Suiza. Conocido por su búsqueda en la construcción de una teoría unificada de la estructura del universo "Grand Unified Field Theory", y por proponer una nueva visión de la historia de las religiones basada en la hipótesis de la existencia del Tetragramaton un objecto electromagnético ultrapoderoso que residía dentro un capacitador de oro llamado el Arca de la Alianza.

Lo que sigue es un fragmento de 40 minutos (dividido en 4 partes) de una conferencia de Nassim Haramein donde habla sobre conceptos erróneos que se enseñan sobre las pirámides en las escuelas y universidades, los Dioses-Sol que las construyeron y los extraños cráneos encontrados en templos en Sudamérica.

I


II


III


IV

miércoles, 2 de septiembre de 2009

Escalera Al Cielo



Caí tarde, como para compensar el equilibrio de Philippe Petit , el FFF (fenomenal funambulista francés) que se hizo famoso por cruzar en 1974 las torres gemelas con tan solo un cable.
Se podría decir que Man On Wire es el documental de todos los avatares que precedieron a esa espeluznante hazaña pero honestamente nos quedaríamos cortos, a diferencia de los típicos virtuosos freaks onda crease o no, Philippe combina en lo suyo, lo lúdico de un niño con filosofía japonesa, un acróbata chino metafísico con un poco de predicador de lo imposible.
En cualquiera de los casos, este genio atemporal, contagia vida en una época en la que no abunda.
Ademas la excelente banda de sonido acompaña sabiamente con temas de Erik Satie, Michael Nyman, y Fleetwood Mac entre otros.

Photobucket

A continuación les dejo la película junto con los subtitulos para descargar, más 2 de los temas principales.

Man On Wire (700 MB)
Subtitulos


3 Gymnopédies - Gymnopédie No 1


Fleetwood Mac - Albatross

martes, 7 de julio de 2009

We ♡ Mario Grasso













El documentalista y conductor televisivo Mario Grasso (1938-1999) creador de reconocidos ciclos como "La aventura del hombre" (prestigioso ciclo de documentales, clásico de la televisión argentina de la década del '80) además de varios programas de cine arte, se definía como un hombre del celuloide que se dedica a quienes se aventuran por terrenos desconocidos. Algunos años antes de despedirse terrenalmente, declaró en un reportaje que pudo hacer lo que quizo traicionandose muy pocas veces.Queria seguir haciendo cosas con cambios, pero observó que todo está estructurado de tal forma que no hay espacio para la imaginación. Y creía que la televisión es el medio ideal para difundir cultura. El público no quiere todas las cosas digeridas, dijo en el 82, cuando La aventura del hombre tenía casi 20 puntos de rating.

A continuación les dejo la recordada cortina de "La aventura del hombre" y tema que da inicio a el muy recomendable LP "Gypsies" a cargo de otro grande de nuestras pampas.




Lalo Schifrin - To Cast A Spell